Autora: Aurora Villarreal Covarrubias “Aurora Vilco”.
Revisión Editorial: Marcelo Troncoso.
N° participantes en línea: 34 personas aproximadamente.
Ponentes:
Josefina Cifuentes [Chile]: Licencia en Artes mención Diseño Escénico y egresada de la Universidad de Chile. Se ha desempeño como diseñadora integral desde el año 2009 en teatro, danza, música, circo, artes escénicas, audiovisual, eventos y publicidad. También como técnico de iluminación y maquinaria escénica en montajes de espectáculos. Ha ido nutriendo su formación con talleres y seminarios específicos tales como "Taller de electricidad en escenarios", "Seguridad y montaje en altura", "Seguridad y montaje de aparatos de circo". En el 2015 recibe el mérito de ser parte de la delegación Chilena en la sección "profesional" en participación en la PQ- Prague cuadrienal, Encuentro mundial de diseño escénico y performance, siendo representante Chilena con 3 proyectos. Comienza a trabajar estrechamente con compañías de circo desde el diseño, así como el montaje técnico haciéndose cargo durante 4 años de la jefatura técnica y diseño lumínico de la "Convención Chilena de circo y arte callejero" y del Festival bianual de circo "Charivari". En el año 2016 se adjudica una beca de especialización en Luminotecnia en la ESTAE, Escuela superior de técnicos de las artes del espectáculo en Barcelona. Actualmente trabaja desde el diseño, así como la técnica en festivales y teatros de España y con diversas compañías de Chile y Europa.
Leticia Martínez: Egresada de la Escuela Montevideana de Arte Dramático en la especialización de escenografía e iluminación. Ha realizado diseño de iluminación para obras teatrales, bandas de música, espectáculos de danza y eventos, entre otros. Ha trabajado como técnica de iluminación para empresas y en los teatros más importantes del país (Auditorio Nacional SODRE, Teatro Solís). También ha participado en giras de diversas compañías, entre las que se destacan la del Ballet Nacional bajo la dirección de Julio Bocca y otra gira por Europa con la compañía The Ricochet´s Project (EEUU) 2015 con quienes ganó el premio “Total Theater Awards” a mejor espectáculo de Circo en el Festiva FRINGE Edimburgo. Ganó el premio Florencio a Mejor Iluminación 2010 por la obra teatral “Juntos” de la directora María Dodera y el premio Florencio para niños por mejor iluminación en el 2013 por la obra de circo “IMAGINOX” presentada en la sala Hugo Balzo del S.O.D.R.E. Ha realizado cursos y pasantías en temporadas de óperas en el Teatro Solís, entre otras. Desde hace diez años diseña y realiza escenografías e iluminación para espectáculos. Durante el año 2015 viaja por siete meses realizando varios cursos de formación entre los que se destacan la Broadway Master Class for Light Design en New York y la Cuadrienal de Artes Escénica de Praga. Actualmente es diseñadora estable de varias compañías nacionales e internacionales y trabaja como diseñadora y técnica free lance.
¿Qué es el diseño escénico? Escenografía, iluminación, vestuario, entre otras, son las disciplinas que componen el diseño escénico de una obra. A través del lenguaje plástico y visual se busca comunicar imágenes en la composición del espacio dentro del ámbito escénico.
Link de la charla:
INTRODUCCIÓN
La charla de hoy fue moderada por Marcelo Troncoso de Chile, quien realizó una breve introducción a la temática de hoy, mencionando que el diseño escénico es un campo al que se le ha puesto poca atención dentro del mundo circense, esto relacionado a que el circo está más orientado al minimalismo escénico y centrado en la creación individual, más que en la producción de una obra. En la actualidad se está comenzando a poner mayor atención en este campo y existen varias compañías de circo realizando creaciones en las que el diseño escénico es parte fundamental de sus puestas en escena.
El diseño escénico responde a dos necesidades:
1. Necesidad técnica-práctica, basada en cómo concretar la realización escénica.
2. Necesidad estética, basada en la poética que se quiere trabajar en la creación escénica.
PRIMERA PARTE: CHARLA DE LETICIA MARTÍNEZ
Comenzó Leti compartiéndonos que el diseño escénico es un campo muy amplio, que abarca desde luces, videos, sonidos, escenografía, vestuarios, utilería, maquillaje, entre varias cosas más, pero que el día de hoy sólo se centraría principalmente en la Iluminación y la Escenografía.
Decidió trabajar como diseñadora escénica circense porque le fascina como este arte desafía las lógicas del espacio convencional. El circo abarca todos los espacios, te permite tener diferentes alturas, diferentes gravedades, diversas entradas y salidas de las personas, porque permite ampliarte y expandirte mucho más allá que otras disciplinas artísticas. Se utiliza mucho el aire, los objetos y los cuerpos se mueven de diferentes maneras resaltando el movimiento y la gravedad desafiando la lógica racional o aquella a la que estamos acostumbrados(as).
“El concepto del espacio como un cuerpo 3D”.
Mencionó que cuando diseñas algo, es importante diseñarlo pensando en que el cuerpo del artista circense también desafía las capacidades y lo convencional, por lo que al diseñar hay que pensar en hacerlo en comunión con la o el artista que estará actuando. Así como en conjunto con el equipo, porque será el que habitará ese nuevo mundo y luces que se ha diseñado y quienes se desenvolverán en esa nueva iluminación. Esto tipo de cosas son las que la mantienen interesada en el campo del circo, porque éste la desafía como diseñadora para entrar en esa lógica inverosímil
Mencionó que ella ha notado como la naturaleza que existe en la formación de los y las artistas circenses, les permite tener una mente activa y son capaces de resolver diversas cuestiones escénicas que aparecen a lo largo de la creación, así como la solución a situaciones inesperadas. Se adaptan con facilidad y esto como diseñador(a) le permite mantener un diálogo constante con este nuevo mundo y sus participantes. Cómo se trata de un espectáculo vivo, que sucede en el momento y tiene cambios, está sujeto a que sucedan imprevistos como errores técnicos o situaciones que en ocasiones, pueden ser increíblemente buenas, y trabajar con “Artistas despiertas(os)” como lo son los y las artistas circenses le resulta “una joya”.
“El juego y el peligro que existen en el circo le resultan una mezcla interesante para su trabajo de Diseñadora, ese constante vaivén de la seriedad del riesgo y la alegría del juego.”
Nos dijo que un campo muy interesante y de amplia exploración, es la relación que tiene el/la artista circense con el público, ya que en el circo nunca existió la Cuarta Pared y esta relación ha sido muy fundamental y fuerte, ya que existe un intercambio constante de miradas y el diseño de la iluminación que se tendrá sobre el público es importante, porque dependiendo de cómo iluminemos al público, esto tendrá un impacto en cuanto a la relación artista-público y permite generar ambientes y atmósferas muy interesantes para la puesta en escena. Añadió que es un campo muy fértil y dentro del cual se pueden crear muchos conceptos y diálogos nuevos.
Le interesa mucho la práctica del mestizaje, los cruces de las prácticas escénicas, la no definición de las disciplinas, le interesan los ámbitos que hibridan las artes, sin tener una clasificación. La mezcla y la fusión enriquecen el diseño escénico. No sólo es circo, puede ser circo fusionado con más disciplinas. La Interdisciplinariedad genera diálogos entre las artes y producen una creación innovadora y diferente. Cuando un artista escénico busca relacionarse con el diseño escénico, empieza un diálogo y eso empieza a crear otro universo posible, diferente a una lógica clásica.
“Crear en comunión es un punto esencial, porque genera diálogos entre quienes participan, trazan juntos un camino y el resultado será fruto de ese diálogo.”
Iluminar Circo
Leti nos habló de la importancia de la iluminación en el circo, como creadora de mundos y como medio para salvaguardar la seguridad de los y las artistas.
La iluminación ayuda a construir el universo donde esa obra acontecerá, habitarlo, entenderlo, decidir cuál es la lógica que existe en ese universo.
“La gente ahí solo camina para atrás, ¿cómo será la luz?, ¿cómo funciona ese lugar?, ¿está bajo tierra?, si siempre es de noche, ¿cómo se ven las personas en la oscuridad?, ¿cómo ve aquella persona que quiere malabarear?”
Nos habló del grado de implicancia y fusión que existirá entre el dispositivo escénico, el circo y la disciplina que se plantea estará relacionado al grado de diálogo que hubo entre los participantes, los técnicos, el diseño, etc. Es importante que haya un diálogo entre el/la artista y el/la diseñador(a), entenderse entre sí con el objetivo de crear una unidad que pertenezca al universo, que no éste no se vea fragmentado. Reinventar el espacio, resignificar lo que estorba, tener disposición a experimentar, reflexionar desde fuera de la zona de confort.
Un punto central de la iluminación en el diseño escénico circense es poder iluminar una escena de manera interesante, propositiva, poética y que al mismo tiempo, esta iluminación sea segura para el/ la artista. Mantener una comunicación constante con los/las artistas en virtud de las diferencias y particularidades de cada una de las disciplinas.
¿Cómo se ilumina cada disciplina circense para evitar riesgos o evitar deslumbrar?
Es responsabilidad del iluminador(a) circense tener conocimiento sobre las particularidades de las disciplinas, sin embargo esta responsabilidad también es de los/las artistas, es importante qué conozcan el tipo de iluminación que necesitan para su número de circo, en caso de que los o las encargadas de luces desconozcan dichas necesidades y así evitar poner en riesgo el número o su integridad física. Otro punto significativo es conocer los tiempos, voltajes y detalles que requiere la instalación de las luces de la puesta en escena. Estar presente en los montajes y ensayos de iluminación y audio, también como forma de prever posibles riesgos o imprevistos y tener la posibilidad de resolver de manera más eficiente sí sucede algo durante la presentación.
Medios de Producción y Espectáculos de Circo
Mencionó que como punto de partida para la creación de un diseño escénico, es esencial primero definir el espacio donde se realizará, ya que no es lo mismo diseñar para una sala, una carpa o la calle, se puede tener la esencia de la obra, pero habrá que traducirla a cada infraestructura. Por eso, es importante tener claro dónde será la puesta en escena y tener claro si se necesitará tener la misma obra para sala, para carpa, para calle, etc.
Ella respeta la idea del artista circense “multitareas”, pero cree que es importante que ya se comience a pensar sobre la necesidad de que se contrate o integre gente a los proyectos para que apoyen en las tareas de instalaciones, montajes, audio, iluminación, diseño, gestión, porque en ocasiones este rol del “artista multitareas” conlleva a un desgaste que podría poner en riesgo a las personas y/o al proyecto.
“Plantearse trabajar con diseño escénico, es plantearse tener recursos para ello, proponerlo desde el inicio en el presupuesto de la creación. Apuntar a la búsqueda de nuestros recursos, fondos, becas para invertir a la seguridad y al diseño.”
SEGUNDA PARTE: CHARLA DE JOSEFINA CIFUENTES (CHILE)
La exposición continuó ahora con Josefina, quien nos compartió que ella antes de ser diseñadora escénica circense, primero fue diseñadora escénica de teatro y comentó que para comprender la complejidad técnica del circo, necesitó primero vincular su cuerpo desde ese espacio para comprender sus necesidades técnicas.
Mencionó que a lo largo de su recorrido en las artes circenses ha notado como dentro de los procesos creativos del circo la parte del diseño escénico queda muy vinculada a un plano estético, de acompañamiento, atmosférico o decorativo y ella considera que esto es un error, porque el diseño escénico desde sus herramientas entrega un sinfín de posibilidades para lograr transmitir el objetivo narrativo que tenga la puesta en escena, así como las posibilidades técnicas que puede ofrecerle a la obra y la ejecución de la misma.
“Vinculo y diálogo entre el diseño escénico y los proceso de creación”.
En su recorrido ha identificado que entre el diseño escénico de Latinoamérica y Europa la diferencia principal radica en los espacios, infraestructuras y acceso a los recursos económicos, esto ligado al valor cultural y de voluntades políticas de cada lugar
Metodologías de Creación Integral:
Mencionó que el Circo Contemporáneo tiene una relación muy estrecha con la transdisciplinariedad dentro del diseño escénico, no es una cosa u otra, es una multiplicidad de lenguajes que se conectan y se fusionan entre sí.
“El creador es el ordenador-manipulador de los elementos plásticos: La palabra, el movimiento, la luz, el sonido, la textura, la metáfora y la armonía, el contraste y la unidad son en cierta manera los parámetros que permiten medir el valor estético de la obra de arte, que transmiten su cosmovisión del hombre, del universo.”
También, comentó que no siempre es necesario sistematizar todos los procesos creativos, pero que sí es importante identificar las metodologías escénicas y darles su valor y compartió en la charla algunos puntos importantes para utilizar y pensar dentro de la metodología del diseño escénico:
- No hay un mapa trazado.
- Diferentes contextos generan diferentes necesidades, por lo tanto diferentes perspectivas de abordaje y de los procesos creativos. Más allá del resultado.
- ¿Cuáles son los métodos? ¿Vínculos? ¿Intereses? Intereses artísticos y estéticos, cuáles son los conflictos o nuestras necesidades discursivas, qué es lo que queremos decir para que la gente lo vea o reflexione.
- Diálogo que genere transformaciones.
- Técnica poética: Evocar universos mediante un recorrido tridimensional. Lo Simbólico, Lo Material y Lo Dialéctico.
- Buscar la armonía en los lenguajes: Utilizar el campo de la tecnología, dispositivos y técnica que nos permitan generar procesos.
- Procesos holísticos: Integración e interdependencia de las partes por el todo. No son hechos aislados son complementos con un objetivo en común.
- Hipertrofia o hipervalorización por la técnica: Escasez de recursos.
Formas de presentar el diseño escénico dentro de los procesos de creación:
- Bocetos de vestuarios: Manifestar de mejor manera lo que se quiere mostrar, las formas, colores, etc. Plasmar la esencia de lo que se quiere transmitir. Muestrario de telas y pensar la parte funcional del vestuario, no sólo en lo estético, sino también en virtud de la técnica circense.
- Escenografía: Se pueden hacer bocetos a mano, utilizar collage, Photoshop, mezcla de herramientas virtuales y manuales.
- Referencias espaciales: Cubicación para la creación de estructuras, es importante que tengan medidas precisas, información y detalles claros para que la estructura sea segura y pueda ser montada adecuadamente. Tipo de material que se necesita, transportación a la que tengo acceso (carro, transporte público, camioneta, etc.)
- Incorporación de luces: Agregar al boceto una idea de la luces, ya que permite visualizar como se iluminará el espacio.
Finalizó mencionando que es importante valorar y profundizar en el desarrollo creativo detrás de una puesta en escena. La implicancia e importancia que tiene lo técnico, humano, estético y material dentro de una puesta en escena.
TERCERA PARTE: ESPACIO DE REFLEXIÓN Y DIÁLOGO
Abel Reyes le realizó la siguiente pregunta a Leti: ¿Qué material utilizarías si tienes bajo presupuesto, en qué sería lo mejor para invertir? A lo cual ella respondió que depende mucho de la obra. Pero ella apunta hacia buscar lo que tienes en tu entorno, ¿qué tienes cerca? Entender que me da el entorno de manera fácil, barata, que ya tengo, que tengo al alcance de mi mano y consigo fácilmente. Luego como modificarla y resignificarla, que la vincule a lo que estoy creando.
Y también le preguntó a Josefina sobre su obra Oxidados, ¿Cómo trabajó el efecto del óxido? Ella mencionó que habían utilizado líquidos corrosivos y capas protectoras en la utilería. Desde lo textil, el vestuario; y en lo atmosférico con las luces; y que la estructura principal prefirieron dejarla intacta para no poner en riesgo la seguridad del elenco.
Andrea Luna mencionó que a ella en ocasiones la invitan a participar en el diseño escénico de una obra ya creada y les preguntó ¿Cómo es que ellas resuelven las necesidades en torno al diseño escénico de una puesta en escena en la que no formaron parte del proceso creativo? Leti respondió que cuando su tiempo es limitado, es ser lo más funcional posible a las disciplinas. Le exige al teatro la posibilidad de hacer pruebas, esto por las cuestiones de riesgo. Más que diseñar, resuelves, buscas que la iluminación sea segura, amable y funcional. No entrar en detalles, resolver lo importante de manera sencilla y efectiva. Josefina concordó con Leti y agregó que es importante ir a los ensayos y pasada general, ver un video, llegar con la mayor información posible de lo que se está haciendo. Diálogo con el espacio de acogida, condiciones en las que vas a estar, con que cuentas para el montaje (teatro, galpón). Tener toda la información para optimizar el tiempo, la seguridad y exigir un ensayo para probar las luces para los números. Porque de lo contrario expones a los y las artistas.
Noel, agregó a esta pregunta que el diálogo entre la producción, la dirección y el diseño en la gestión de las necesidades del montaje, las negociaciones es importante para establecer las necesidades mínimas del montaje para que este sea seguro. Tener esas necesidades claras y escritas.
Luk Vaca mencionó que de todos los diseños que hablaron las ponentes, vio varias cosas grandes (utilería, escenografía, estructuras) y les preguntó ¿Cuándo ustedes diseñan este tipo de escenarios, piensa en la reutilización de la estructuras o qué pasa cuando este espectáculo termina? Josefina mencionó que ella siempre considera el factor reciclaje, reutilización y recolección de materia, reutilización, porque la realidad es que no hay tantos recursos económicos. Es importante conservar todo lo que podamos volver a usar en otro momento y teniendo cuidado en no convertirnos en máquinas de hacer espectáculos, darles una vida útil y una proyección en el tiempo para su puesta en escena. Para Leti una lucha que ella usualmente tiene con los artistas es que quieren que todo sea barato y quepa en una valija, pero la naturaleza del diseño escénico (la escenografía, vestuarios y demás) que requiere una inversión de tiempo y recursos para poder ser utilizado durante un tiempo y se tiene que reflexionar sobre la importancia de guardar todo nuestro material para poder volver a poner en escena un proyecto o poder reciclar y reutilizarlo. Recordar que si queremos un buen diseño escénico tenemos que tener claro que habrá una inversión de tiempo, recursos, transportaciones, etc.
Pregunta de Facebook ¿Existe alguna recomendación de cómo se pueden integrar los músicos en escena para que la ficha técnica musical pueda integrarse en el diseño integral? Leti respondió que eso dependerá de la obra y el papel de los músicos dentro de la misma, si estarán en escena cumplen un papel importante dentro del diseño escénico y su participación en el espacio, integrado al diseño. Josefina concordó con Leti sobre dependerá de las particularidades y necesidades de la obra.
Fa de la Marche preguntó por los formatos de financiación con los que trabajan o han trabajado, ¿cómo puedo vender/ofrecer/presentar una puesta en escena si no tengo mi carpeta completa, porque no puedo pagar el sueldo de un técnico de audio, iluminación, vestuarista, etc.? Esto en relación a la iniciativa privada y no a los subsidios o apoyos gubernamentales. Y, ¿qué herramientas recomiendan de internet para generar plots y demás material virtual? Josefina le mencionó que en Chile generalmente se gestionan los proyectos por medio de concursos de fondos públicos. En cuanto a la iniciativa privada no tiene tanto conocimiento, pero ella lo ve como la venta de un producto, hacer una propuesta integral lo más convincente, atractiva y seductora posible.
Leti compartió algunos programas en internet gratuitos:
- Para escenografías: SketchUp.
- Para luces: LX Console.
Raúl Vargas realizó las siguientes preguntas en la transmisión en vivo de Facebook, ¿ustedes podrían imaginar que desde el diseño escenográfico, de luces o sonido fuera el punto de partida para renovar el repertorio del circo? y ¿han creado algún espectáculo donde el punto de partida de la obra sea el diseño escénico? Ambas han trabajado desde esa línea. Leti trabajó una puesta en escena que surge de una investigación plástica y de luz. En la que se planteó un espacio plástico y el acróbata fue quien lo habitó y dialogó con esta materialidad y la obra nació de ahí. Y, Josefina lo trabajó en la obra de “Oxidados” en la que primero se decidieron los aparatos base que se iban a ocupar y de ahí se estableció el guión narrativo, la investigación lumínica, la musicalidad, pruebas de movimiento, pero la narrativa nació de la idea del mundo.
Marcelo Troncoso les realizó una pregunta en relación a la utilización de una maquinaria más compleja dentro del diseño escénico. ¿Tienen alguna mirada hacia la implicación o relevancia que tiene la tecnología en el diseño escénico circense?
Leti respondió primero con una cita de Finzi Pasca “Las estructuras formales fuertes (haciendo mención a las maquinarias) producen ligereza.” Utilizar la tecnología en favor de lo que quieres decir, y no pensar que la cantidad de tecnología que uses será mejor.
Josefina: La utilización de la tecnología no significa que algo será mejor, sino que es lo que se necesita generar, ingeniar creativamente. Utilizarlas tiene que ser pensado y reflexiva para no terminar utilizándola por capricho.
Para cerrar Leti habló de la importancia de que las compañías o grupos de circo comiencen a trabajar con otros profesionales para poder tener todas estas necesidades cubiertas y sean seguras, mencionó que quizás no tenerlos siempre, pero sí en los momentos que se necesiten, como pruebas de audio, iluminación, montaje y desinstalación de estructuras, diseño de escenografía, vestuario, etc. Josefina mencionó la importancia de considerar tener personal de apoyo para que los y las artistas no hagan todo y no genere distracción o cansancio innecesario. Finalizó diciendo que Latinoamérica es enorme y riquísima, tiene una historia muy fuerte y una gran fuerza, por lo que es importante que como creadores latinoamericanas/os no seamos innovadores, sino ser originales. Volver a la raíz y utilizar ese poder que tenemos para crear, mismo que ha nacido de nuestras limitaciones y tenemos una gran fuente de información en Latinoamérica que es increíble.
“No tenemos plata, pero no quiere decir que no tenemos posibilidades, hay que encontrar la ventaja en la desventaja”.
CONCLUSIONES
El diseño escénico circense me parece una herramienta muy enriquecedora dentro de los procesos de creación escénica, ya que no sólo podemos crear atmósferas innovadoras y originales, sino que también nos permite crear, inventar y reinventar los objetos que tenemos y utilizamos en nuestro cotidiano circense. Pensar en el diseño escénico circense más allá de una mera decoración, traspasarlo al campo del rigging para crear y reinventar nuestros aparatos, objetos, escenarios y vestuarios.
Creo que como artistas circenses es importante de vez en cuando experimentar algo completamente diferente a lo que estamos acostumbradas(os), salir de nuestra zona de confort, abrirnos a la fusión de otras áreas del conocimiento, seguir el camino del circo y al mismo tiempo utilizar como puntos de partida otros conceptos o mundos.
Revalorizar y reflexionar sobre la importancia de la gestión de recursos económicos para la realización de proyectos más grandes, longevos y completos. En los cuales podamos ser un equipo de trabajo completo, que cuente con la parte artística, técnica, de seguridad, de gestión, publicidad, etc. Esforzarnos dentro del gremio circense para luchar contra los estereotipos y prejuicios que se han desarrollado en algunos países entorno al concepto de arte circense y demostrar que el circo de nuestra localidad también puede ser innovador, grande y original. Que para ver un espectáculo de circo con gran producción y calidad, no se necesita que lleguen compañías transnacionales o de gran renombre, porque el talento existe dentro de cada una de nuestras colonias, ciudades y países.
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